¡Behemoth! el alma del violonchelo y cuando la música se convierte en personalidad

Los instrumentos parecen poseer una voz propia, capaces de expresar aquello que las palabras apenas consiguen rozar. El violonchelo pertenece a esa categoría privilegiada. Su registro, próximo a la profundidad de la voz humana, su amplitud expresiva y su extraordinaria capacidad para transitar desde la intimidad más frágil hasta la intensidad dramática lo convierten en uno de los instrumentos más fascinantes del universo musical. Y precisamente desde esa naturaleza expresiva nace una de las propuestas cinematográficas más interesantes de la temporada, ¡Behemoth!, la nueva película escrita y dirigida por Tony Gilroy, con Pedro Pascal como protagonista.

Su estreno adquiere un interés especial no solo por el reparto o por la trayectoria de su director, sino por una decisión narrativa que merece nuestra atención desde la perspectiva musical, situar al intérprete, su instrumento y el universo de la composición cinematográfica en el centro de la historia.

Pedro Pascal interpreta a Alex Serian, un antiguo niño prodigio del violonchelo que regresa a Los Ángeles después de dos décadas de trayectoria musical. Ha dejado atrás su vida como intérprete de orquesta y se incorpora al mundo de las grabaciones de bandas sonoras cinematográficas. Sin embargo, su regreso no representa únicamente un cambio profesional. Es también un encuentro con su pasado, con las heridas de su historia familiar y con una identidad artística que parece haber quedado suspendida entre lo que fue y lo que todavía podría llegar a ser.

Y aquí aparece una cuestión que, desde mi perspectiva como directora pedagógica, resulta especialmente reveladora, ¿hasta qué punto un músico es capaz de separar su identidad personal de aquello que interpreta?.

La formación de un instrumentista de alto nivel no consiste exclusivamente en adquirir destreza técnica, dominar el mecanismo del instrumento o alcanzar una ejecución impecable. Detrás de cada interpretación existe un proceso de construcción personal que exige disciplina, conocimiento estilístico, sensibilidad auditiva, madurez emocional y una búsqueda constante de identidad sonora. La técnica proporciona los recursos, pero es la personalidad musical la que termina otorgando significado a cada frase.

Alex Serian representa precisamente esa dualidad. El músico que ha dedicado su existencia a perfeccionar una disciplina extraordinariamente exigente y que, sin embargo, debe enfrentarse a sus propias contradicciones cuando la vida deja de responder a la precisión de una partitura.

Desde el punto de vista interpretativo, la elección del violonchelo no parece casual. Su tesitura permite explorar una extraordinaria variedad de matices, desde la profundidad de sus registros graves hasta la expresividad de su zona aguda. Su sonido posee una cualidad casi vocal, una capacidad para sostener la melodía y desarrollar una línea emocional que resulta especialmente adecuada para un personaje cuya vida está marcada por la memoria, la pérdida y la necesidad de reconstruirse.

En la interpretación de un instrumento de cuerda frotada, el arco constituye una herramienta fundamental de expresión. La distribución del peso, la velocidad, el punto de contacto con la cuerda y la calidad de la articulación determinan no solo el resultado sonoro, sino también la intención musical. Una misma nota puede adquirir significados completamente distintos dependiendo de cómo se produzca.

Esta dimensión convierte al violonchelo en algo más que un elemento argumental. Es una extensión del personaje, un espacio de refugio y, al mismo tiempo, un espejo de sus conflictos.

La dificultad de representar convincentemente a un músico profesional tampoco es menor. Pedro Pascal ha hablado de lo exigente que fue prepararse para interpretar a un violonchelista, reconociendo la complejidad de acercarse a una práctica instrumental que requiere años de formación. Su preparación constituye un aspecto interesante de la construcción del personaje, porque en el cine musical la credibilidad no depende únicamente de la emoción del intérprete, sino también de la relación física y visual que establece con el instrumento.

Pero la verdadera sorpresa de ¡Behemoth! se encuentra en su planteamiento musical. Tony Gilroy ha reunido a nueve compositores de reconocido prestigio internacional bajo el nombre de Behemoth! Collective. Una decisión poco habitual que transforma la película en un auténtico laboratorio de creación musical. El colectivo está integrado por Michael Abels, Emily Bear, Lukas Frank, Michael Giacchino, James Newton Howard, Henry Jackman, Nami Melumad, Brandon Roberts y Alan Silvestri.

La relación de nombres resulta extraordinariamente atractiva para cualquier amante de la música cinematográfica. En ella conviven personalidades creativas vinculadas a universos tan diferentes como Up, Los juegos del hambre, Regreso al futuro, Star Trek, Déjame salir o Capitán América. Sin embargo, lo verdaderamente interesante no es la acumulación de talento, sino la manera en que Gilroy ha organizado esta colaboración.

Cada compositor ha desarrollado materiales musicales asociados a producciones cinematográficas ficticias que aparecen dentro de la propia película. De esta forma, las partituras no funcionan únicamente como acompañamiento emocional de las imágenes, forman parte de la realidad profesional de los personajes y contribuyen a construir el relato.

Henry Jackman, por ejemplo, desarrolla la música de una ficticia producción de espías, Michael Giacchino se ocupa de una composición vinculada a una película de animación, Alan Silvestri aporta el carácter de una gran superproducción de aventuras, mientras que James Newton Howard participa en algunos de los momentos más íntimos y emocionalmente significativos de la historia.

La diversidad estilística permite contemplar cómo una misma película puede contener diferentes identidades musicales sin perder su coherencia narrativa.

Existe otro aspecto que convierte este proyecto en una experiencia especialmente sugerente,  la relación entre música diegética y extradiegética. La primera pertenece al universo de la propia narración. Los personajes pueden escucharla, interpretarla o participar en ella. La segunda se incorpora desde fuera de ese espacio, como una voz musical que orienta la percepción emocional del espectador.

En ¡Behemoth! ambas dimensiones dialogan y se transforman. La música que los personajes interpretan o graban puede adquirir una función narrativa más amplia, mientras que la composición cinematográfica deja de ser un elemento secundario para convertirse en una parte esencial de la estructura dramática.

Gilroy ha llevado incluso más lejos esta experimentación, trabajando con materiales musicales antes del rodaje definitivo y ajustando determinadas secuencias a la duración, el ritmo y los desarrollos de las composiciones. Una inversión del procedimiento habitual que sitúa la música en el origen de determinadas decisiones visuales.

Esta forma de concebir el proceso creativo resulta especialmente interesante porque devuelve a la partitura una posición que no siempre ocupa en la industria audiovisual, la de elemento estructural, capaz de condicionar el movimiento, la respiración y la organización temporal de una escena.

La música cinematográfica no consiste únicamente en escribir una melodía hermosa o construir un desarrollo orquestal de gran espectacularidad. Exige comprender el tiempo dramático, interpretar las emociones de los personajes y encontrar una arquitectura sonora que dialogue con la imagen sin someterse necesariamente a ella.

Hay una reflexión que me parece especialmente valiosa en esta película. Durante la formación musical se insiste, con razón, en la importancia de la técnica, la precisión, la lectura, la afinación, el control del sonido y la interpretación estilísticamente adecuada. Pero el verdadero desarrollo artístico comienza cuando el músico consigue trascender la ejecución y descubre qué tiene que decir a través de su instrumento.

El virtuosismo puede despertar admiración. La personalidad interpretativa consigue establecer una conexión mucho más profunda con quien escucha.

En ese recorrido, la memoria musical desempeña un papel fundamental. Cada obra estudiada, cada experiencia sobre un escenario, cada error corregido y cada descubrimiento interpretativo van configurando una identidad que no puede construirse de manera artificial. El músico no interpreta únicamente las notas escritas por el compositor, interpreta también todo aquello que ha aprendido, sentido y vivido.

La historia de Alex Serian parece transitar precisamente por ese territorio. Su relación con el violonchelo no se limita a una profesión ni a una capacidad extraordinaria. Es el hilo conductor de una existencia que necesita recuperar su sentido. Y quizá ahí reside una de las mayores virtudes conceptuales de ¡Behemoth!, recordarnos que detrás de cada grabación cinematográfica existe un universo de intérpretes, compositores, directores musicales y profesionales cuya aportación resulta imprescindible, aunque muchas veces permanezca invisible para el espectador.

Durante décadas, las grandes bandas sonoras han contribuido a construir la memoria emocional del cine. Algunas melodías permanecen en nuestra conciencia mucho después de haber olvidado determinados diálogos o escenas. El trabajo de los compositores y de los músicos de estudio ha sido decisivo para consolidar esa dimensión invisible que transforma una secuencia en una experiencia emocional.

Con ¡Behemoth!, Tony Gilroy parece querer levantar el telón y acercarnos a ese mundo. No solamente al de los grandes nombres de la composición, sino también al de los músicos que convierten una partitura en sonido, que trabajan sobre cada indicación del compositor y que aportan a una grabación una precisión y una sensibilidad construidas durante años de formación.

La película plantea así una reflexión que trasciende su propia historia, el arte no puede reducirse al reconocimiento, al éxito profesional o a la excelencia técnica. Necesita una identidad, una búsqueda y una capacidad permanente de transformación. El violonchelo de Alex Serian puede convertirse en el símbolo de ese recorrido. Una voz que atraviesa el pasado, cuestiona el presente y abre la posibilidad de un futuro diferente. Porque interpretar no consiste solamente en reproducir una partitura. Consiste en comprenderla, habitarla y encontrar en ella una forma propia de expresión. Y cuando esa búsqueda se encuentra con el lenguaje cinematográfico, sucede algo extraordinario, la música deja de ser un acompañamiento para convertirse en protagonista. Quizá la gran apuesta de ¡Behemoth! sea precisamente esa.